Luego de tratar de prohibir la música Occidental durante la larga década de la revolución cultural, la cual finalizó 30 años atrás, China parece estar trabajando para recuperar el tiempo perdido. Está produciendo estudiantes de alta calidad para conservatorios de elite en el oeste, construyendo palacios sinfónicos en ciudades como Shanghai y Beijing, y cuenta con artistas renombrados a nivel mundial como el pianista Lang Lang.

La Orquesta Philadelphia, la cual en 1973 se convirtió en la primera orquesta Americana en tocar en la República de China, cosechó los beneficios de esta tendencia. La Orquesta cierra hoy su tour de 20 días en Asia, luego de agotar sus actuaciones en Beijing, Guangzhou y Shanghai. Esta, entre otras, son algunas de las explicaciones de la fiebre del piano en China.

James Undercofler, el presidente de la orquesta, calificó como “increíble” al creciente interés de la música clásica en China. Luego de años de ser negado el acceso, China está en un periodo de descubrimiento, dijo: “La música parece llegar a las emociones más profundas de la gente Asiática”.

China, dijo James, se une a Korea del Sur y a Japón como la principal audiencia de la orquesta; Asia ahora “es tan importante para nosotros como el mercado Europeo”. Esta, entonces, es otra de las causas por la cual no paran de comprar instrumentos musicales.

Frantisek, el padre de Dvorak, era carnicero y posadero. Toco la cítara por diversión y entretenimiento, pero más tarde la tocó profesionalmente. Su madre, Anna, vino de Uhy. Antonin Dvorak era el mayor de ocho chicos. En 1847, Dvorak comenzó a tomar lecciones de voz y de violín de Joseph Spitz. Dvorak se adaptó rápidamente al violín y pronto comenzó a tocar en bandas de la iglesia y del pueblo. En 1853, los padres de Dvorak lo enviaron a Zlonice para que continuara su educación aprendiendo alemán, al igual que la música. Joseph Toman y Antonin Leihmann continuaron enseñándole a Dvorak violín, voz, órgano, piano y teoría de la música.

En 1857, Dvorak se trasladó a la Escuela de “Organo de Praga” en donde continuó estudiando teoría de la música, armonización, modulación, improvisación, contrapunto y fuga. Durante este tiempo, Dvorak tocó la viola en la Sociedad de Cecilia. Tocó obras de Beethoven, Mendelssohn, Schumann y Wagner. Mientras estaba en Praga, Dvorak pudo asistir a conciertos tocando obras de Liszt conducidas por el mismo Liszt. Dvorak dejó la escuela en 1859. Fue segundo en su clase.

En los últimos meses del verano de 1859, Dvorak fue contratado para tocar la viola en una pequeña banda, la cual posteriormente se convirtió en los cimientos de la Orquesta de Teatro Provisional. Cuando se formó la orquesta, Dvorak se convirtió en el violinista principal. En 1865, Dvorak le enseñó piano a las hijas de un orfebre; una de las que más tarde se convirtió en su esposa (Anna Cermakova). No fue hasta 1871 cuando Dvorak dejó el teatro. Durante estos años, Dvorak estuvo componiendo en privado.

Debido a que sus primeros trabajos fueron demasiado exigentes para los artistas que los tocaban, Dvorak evaluó y modernizó su trabajo. El se alejó de su pesado estilo germánico acercándose hacia un estilo más clásico eslavo de una forma bastante directa. Además de enseñar piano, Dvorak se unió a la Orquesta Austríaca como un medio de ingresar. En 1877, Brahms, impresionado por los trabajos de Dvorak, estuvo en el panel de jueces que le hicieron ganar 400 guldens. Una carta escrita por Brahms acerca de la música de Dvorak le hizo ganar a Dvorak mucha fama.

Durante los últimos 20 años de la vida de Dvorak, su música y su nombre se hicieron conocidos internacionalmente. Dvorak ganó muchos honores, premios y doctorados honorarios. En 1892, Dvorak se trasladó a América para trabajar como el director artístico para el Conservatorio Nacional de Música en Nueva York por $15.000 USD (casi 25 veces lo que ganaba en Praga). Su primera actuación fue en el Carnegie Hall (en el estreno de “Te Deum”). La sinfonía New World de Dvorak fue escrita en América. El 1 de mayo de 1904, Dvorak falleció por una enfermedad.

Sinfonía No. 1 en Do mayor: Esta sinfonía y la segunda fueron compuestas durante el periodo clásico de Beethoven, es decir en los comienzos artísticos del autor, y pueden compararse a los trabajos de los ligeramente previos compositores vieneses, Mozart y Haydn. Esta sinfonía contiene muchos elementos juguetones, polifónicos e inusuales: el primer movimiento comienza en la “nota incorrecta”, el segundo y el tercer movimiento, si bien están marcados con un andante y menuetto respectivamente, son tocados, por lo general, a un ritmo mucho más acelerado que lo que indican normalmente dichas palabras; y el cuarto movimiento se burla del oyente al presentar varias escalas incompletas antes de resolver en un Do mayor.

Sinfonía No. 2 en Re mayor: Si bien muchas sinfonías clásicas utilizan la forma de un Minuet para su tercer movimiento, Beethoven eligió componer en su lugar un Scherzo, una pieza musical mucho más rápida y enérgica que el típico Minuet.

Sinfonía No. 3 en Mi-bemol mayor: También llamada “Sinfonía Heroica”, este trabajo fue escrito para celebrar la promesa de igualdad y democracia de Napoleón Bonaparte, ideales que capturaron varias mentes europeas al iniciar el siglo XVIII.

Sinfonía No. 4 en Si-bemol mayor: Robert Schumann describió este trabajo como “la esbelta doncella griega entre los dos dioses nórdicos”. Esta metáfora hace referencia probablemente a la cuarta sinfonía como una pieza entera situada en medio de la tercera y la quinta sinfonía, pero le otorga a ésta misma una naturaleza, por sobre todo energética. La metáfora sería tal vez, mejor aplicada al segundo movimiento adagio que aparece en medio de los movimientos bullciosos externos.

Sinfonía No. 5 en Do menor: Frecuentemente considerada como una expresión de las emociones íntimas de Beethoven, esta sinfonía comienza con las bien conocidas cuatro notas “del destino”. Luego de comenzar tan inquietantemente en Do menor, la sinfonía termina triunfantemente en Do mayor con un tema basado en el mismo motivo scherzado.

Sinfonía No. 6 en Fa mayor: Apodada “Sinfonía Pastoral”, este trabajo transporta al oyente en un viaje imaginario al campo, lleno de arroyos danzantes y tormentas eléctricas.

Sinfonía No. 7 en La mayor: Esta sinfonía alterna entre el dirge y la danza, evocando en su movimiento luto y alegría. El primer movimiento comienza más bien pensativamente antes de caer en un éxtasis salvaje. El segundo movimiento entra sombrío, pero hacia el final los dos movimientos transportan al oyente a un alegre y especial abandono.

Sinfonía No. 8 en Fa mayor: Otra sinfonía juguetona; su segundo movimiento parodia al recientemente inventado metrónomo, el tercer movimiento usa (para esa época) una forma “retro” de Minuet, y el cuarto movimiento (al igual que la primer sinfonía) también utiliza la “nota incorrecta” para añadir un efecto humorístico.

Sinfonía No. 9 en Re mayor: Beethoven la escribió luego de que su creciente sordera le había privado completamente de su audición. El movimiento final contiene coros en el cual se acopla el poema “Oda a la alegría” de Schiller. Seguidamente un fragmento de esta sinfonía número 9 dirigida por Karajan.