La lección de piano más útil que he tenido me fue dada cuando mi maestra reunió a un gran número de sus alumnos en una clase de piano y simplemente, nos mostró cómo debíamos practicar. No nos dijo cómo, sino que en realidad nos mostró cómo. Había tenido otros profesores de piano quienes me habían dado largas charlas sobre cómo practicar, pero esta fue la primera vez que pude ver cómo realmente se debía estudiar piano y nada más ni nada menos que por parte de mi propia profesora.

En esta lección la profesora memorizó una página y media de una pieza que le era completamente desconocida y trabajó sobre ella. Primero la leyó la pieza por completo para ver de qué se trataba y, sin perder tiempo, se puso a trabajar sobre la primera frase y la memorizó interpretándola una y otra vez. Me quedé realmente sorprendido por el gran número de veces que repetía la frase una y otra vez. Cuando consiguió estudiar e interpretar toda la frase de memoria comenzó a jugar con ella: la tocaba más rápido, más lento, con pedal, sin; hasta que decidió cuál era la mejor opción, entonces continuó tocándola hasta que se grabó en su memoria.

Yo creía que cuando los músicos comenzaban a enfocarse en la perfección de una pieza dejaban de lado los métodos infantiles de aprendizaje, como contar los tiempos en voz alta. Realmente me llamó la atención cuando la oí contar los compases. Fue entonces que me di cuenta que no tenía ningún truco bajo la manga, no era sino trabajo duro y un espíritu incansable. Me lamenté realmente que ningún maestro anterior haya hecho lo que ella hizo por mí. De haber sido así no hubiera perdido tanto tiempo practicando de modo pobre e incorrecto.

Esta profesora sobre la que escribo me abrió los ojos para darme cuenta de que adquirir un repertorio o tocar una sola pieza era un logro de tipo arquitectónico —algo construido pieza por pieza, compás por compás. Su primera leída de la obra fue como un arquitecto estudiando el plan general. La práctica incansable y repetitiva de cada una de las frases se parecía al tendido de los cimientos, luego cada fragmento, cada parte era correctamente finalizada antes de añadir la siguiente. Lo que ella hizo posteriormente con la segunda, la tercera, y las frases siguientes fue tan sólo la repetición de lo que había hecho con el primer fragmento.

Una vez que hubo perfeccionado cada frase apartó la partitura de su vista y comenzó a tocar la pieza de memoria. Y así pudimos ver el valor de cada pieza del trabajo preliminar en su conjunto.

Y para ti, ¿cuál fue tu lección de piano más útil?

Con tan solo 9 años de edad toca como una gran maestra.

Nunca olvidaré la primera vez que toqué el piano para una audiencia. Era mi primer concierto y había bastante gente. Tenía que interpretar una partitura que constaba de 12 piezas. No había ningún interludio y el concierto duraba aproximadamente entre 80 y 90 minutos.

Déjenme decirles que estaba verdaderamente nervioso. Tan nervioso que no creía que fuera a poder sobrellevar la situación, ni pensar que me saldrían las melodías. Basta decir que realmente no lo disfruté; el mecanimo del piano sufría conmigo. Luego de intentar figurarme por muchas horas a qué se debían mis nervios, la respuesta llegó, era porque estaba consciente y concentrado.

Estaba preocupado por cómo me veía, por cómo sonaría la sonata para piano, etc. Pensaba que hasta el más simple minueto o scherzo me costaría. No me podía relajar debido a que estaba tan afectado por el hecho de que toda la audiencia pensaría en mí. Y, hasta el día de hoy, dar conciertos no es una de mis actividades favoritas. Me di cuenta de que no quería ser el centro de atención.

Entonces, ¿Qué debía hacer? Para la mayoría de la gente, incluido yo mismo, tocar en público no es una diversión sino una experiencia atemorizante. Muchos sugieren que debes mantenerte y que eventualmente el miedo desaparecerá. Pero me pregunté a mi mismo, ¿Por qué hacerlo, en primer lugar, si estás atemorizado? La verdad del problema es que algunas personas, durante su interpretación pianística, se sienten más cómodas en frente de otras. Pero creo que uno debe entrenarse del siguiente modo: se debe comenzar a tocar para pequeños grupos de personas y trabajar la subida.

Verán, si tocas de entrada para una audiencia grande, por supuesto que estarás conciente. En cambio, si la gente viene llegando no te encuentras en una situación donde el miedo se genera desde el principio.

Pequeño fragmento de Richter grabando el segundo concierto para piano de Brahms. Imperdible.

Para asegurarse de que su piano suene mejor, afínelo cada vez que lo sienta necesario. Los expertos recomiendan que un piano debe ser afinado por lo menos dos veces al año para mantenerlo en forma. El entorno en el que su piano se instala, afecta en gran medida a su vida útil. Después de que pase el invierno y que apagues la calefacción en primavera, como regla de oro, su piano estará a dos semanas de necesitar una afinación. Cuando cambia de una estación a otra, los niveles de humedad se ven afectados en gran medida, los cuales impactan en el piano. Desde que los pianos se hacen en gran parte de madera y fieltro, los cambios de humedad pueden reducir o engrosar la estructura de madera del piano, lo que hace que quede fuera de tono. Un enfoque ideal es esperar hasta que su piano se acostumbre a los cambios climáticos de su habitación, y luego llamar a un experto en afinación o afinador de pianos para una sesión de afinación para llevar al piano de nuevo a la acción correcta.

A fin de compensar el desgaste, el desgarro, la compactación de la tela y el fieltro y los cambios en las piezas de madera debido a la humedad, se deben realizar ajustes periódicos. Mantener la relación correcta entre todas las partes del mecanismo evitará daños innecesarios a las piezas móviles internas, y hará que la acción se “sienta correcta”. Por ejemplo, cada tecla funcionará sin trabarse y esto se mantendrá a lo largo de todo el teclado. La regulación del piano asegura que no habrá más teclas pegajosas, ni se va a sentir mas desparejo, ni habrá mas notas crudas que no hacen lo que tu quieres que hagan, ni habrá mas pedales oxidados, clics, sonidos, zumbidos y otros similares.

Más de 25 años después de su muerte, Bill Evans sigue siendo uno de los pianistas más importantes del jazz moderno. Su lirismo introspectivo y su sutil clásica occidental florece teniendo ecos en una legión de tecladistas. Como director y compositor, introdujo un acercamiento influyente y altamente interactivo a las actuaciones en trío y en pequeños grupos.

William John Evans, nacido el 16 de agosto de 1929 en Plainfield, NJ, estaba fascinado por la música desde que era pequeño ya que escuchaba las lecciones de piano de su hermano mayor. En ese tiempo tenía 6 años; estaba tomando lecciones por sí mismo y mostraba una capacidad extraña para leer y absorber la música. Evans siguió a su hermano a la Universidad “Southeastern Louisiana”. Abandonó la universidad para un breve tiempo en el Ejército, y en 1955 se matriculó en el Mannes College of Music de la Ciudad de Nueva York. La escena de jazz de Nueva York le permitió afinar su oficio y relacionarse con pianistas como Bud Powell, Horace Silver, Lennie Tristano, y George Shearing. Evans logró pronto un contrato de grabación con Riverside Records, y su disco de debut (New Jazz Conceptions) fue lanzado en septiembre de 1956. Sus primeros trabajos impresionaron al trompetista Miles Davis, quien invitó a Evans a unirse en una banda que incluía al saxofonista Cannonball Adderley y John Coltrane, al bajista Paul Chambers y al baterista Jimmy Cobb. Junto con el pianista Wynton Kelly, grabaron el seminal Kind Of Blue. Seguidamente Waltz for Debby por su trío.

El éxito de Kind of Blue, emparejado la popularidad mundial de Davis, puso al tímido Evans en el punto de mira, que más tarde demostró ser demasiado para él. Su respuesta fue autodestructiva: Consumió cocaína y heroína que lo llevaron a su ruptura con Riverside Records. Evans continuó tocando, mayoritariamente en tríos. Con el bajista Scott LaFaro y el baterista Paul Motian, desarrolló un nuevo concepto para el trío de piano, con papeles más activos para el bajo y la batería. El nuevo enfoque de Evans recibió grandes elogios del público, de críticos, y de colegas y músicos. Cuando LaFaro murió a los 25 años en un accidente automovilístico en 1961, Evans quedo devastado y casi deja de tocar por completo. Pero él se reagrupó y formó varios tríos nuevos, sustituyendo a LaFaro con bajistas como Chuck Israels y Eddie Gomez. En 1977, Evans formó un trío con el bajista Marc Johnson y con el batería Joe LaBarbara.

La carrera de Evans se acortó por la mala salud, agravada por su drogadicción, y murió en 1980 a los 51 años. Pero sus ideas innovadoras y su influencia musical viven en la técnica de tocado de innumerables pianistas contemporáneos.

¿Recuerdan el fragmento de la película El pianista donde el pianista toca la balada de Chopin y el guardia se emociona?

Anthony Hopkins ha disipado los rumores de que se va a embarcar en una gira mundial como pianista de concierto, a pesar de que los informes que dicen lo contrario. La estrella de ‘El silencio de los incocentes’, de 70 años, se puso en camino a finales de este año para mostrar sus talentos musicales después de que su amigo, el músico australiano Malcolm Luker, afirmó en diciembre que era inminente una gira. Él dijo: “Creo que la gente quedará sorprendida por los talentos de Tony. Él es un gran pianista y un hombre increíblemente agradable.”

“Va a suceder, ya sea en el 2008 o a principios del 2009, pero en el momento estamos haciendo las preselecciones del control del tiempo, la disponibilidad y los lugares.” Pero Hopkins insiste en que los reclamos están fabricados: “No es cierto. No voy a estar haciendo eso. No crea todo lo que lee en los diarios.”

Mucho es familiar para el pianista prodigio de 19 años, sin embargo. Practicando su instrumento, por un lado, y tocando alrededor de todo el país, por otra. Albright -que toca el piano desde los tres años y medio– asiste a la Universidad de Harvard en Cambridge, Massachusetts (al igual que Adam Golka). Tiene la clase de curriculum que muchos pianistas de su edad sueñan tener. Una pequeña muestra:

> Ganó el primer lugar en la Competencia Internacional de Piano Eastman en la Escuela de Música de Eastman en Rochester, NY, en el 2006.

> Ganó las divisiones solistas y en conjunto de la Competición de Piano Biennial New York en el colegio de música Manhattan en el 2006.

> En el 2004, fue la persona más joven seleccionada para la “Texas Christian University/Cliburn Piano Institute Young Artists Program” en Fort Worth, Texas.

> Tocó en ciudades como Seattle, Nueva York, Filadelfia y Washington, DC, y participó en el “Paris Piano Institute 2007” en Francia.

Gracias a todo el tiempo que pasó viajando mientras crecía, no le fue difícil adaptarse a la vida fuera de casa, dijo Albright. Sin embargo, equilibrar a la escuela y al tiempo de tocar el piano es un poco más difícil, dijo. “Esta escuela es terriblemente difícil”, dijo. Aún así, dijo que le encanta.

“La gente en Harvard es asombrosa. Cada uno aquí es espectacular en algo… Oirás, ‘Oh, ella es la campeona nacional de ortografía’”, dijo Albright. “Y la gente aquí es muy buena, también, lo que es realmente genial”. Albright es parte de un programa en conjunto entre Harvard y el prestigioso Conservatorio New England, que se encuentra a lo largo del río Charles en Boston. En cuatro años, va a tener su título de licenciatura de Harvard -en este punto, está buscando especializarse en economía, y tambien podria tomar clases de premedico- y un año después de esto, va a tener un master en piano de la NEC, en donde está estudiando con el maestro de origen coreano Wha Kyung Byun.

Una película documental sigue la creacion de un piano Steinway de principio a fin. Pudiste haber tocado el piano innumerables veces. Pero, ¿nunca te preguntaste cómo esas notas funcionan en el piano en el primer lugar? ¿Cómo se convierte el piano de un árbol y trozos de metal a un instrumento afinado cuidadosamente, estructurado con cuerdas y con un complejo mecanismo?

Cada instrumento tiene su propia personalidad: el sentimiento de la acción, la calidad del tono y la resonancia difieren de piano en piano. Un pianista toma el máximo cuidado al seleccionar su piano, así como cualquier otra persona podría tomarlo en la selección de su pareja. En el negocio de los pianos hay una empresa que convirtió el proceso de producción de los pianos en una forma de arte. Es el sueño de todo pianista tener uno de estos instrumentos (aunque para muchos pianistas el precio elevado -u$s 100000 en algunos modelos- lo mantiene alejado de obtenerlo y hace que sea un sueño para siempre). Un fragmento en forma de trailer cinematográfico se puede ver seguidamente.

Nota a Nota: Un documental sobre la construcción de pianos Steinway.
Esta es la historia del Steinway, o mejor dicho, la historia del Steinway L1037. Desde el principio hasta el final (en el transcurso de un año entero), el documental Nota a Nota: La Producción de un Steinway L1037 sigue el proceso de llevar un simple instrumento al escenario. Cada piano es el producto de muchas manos y de muchos trabajos: los carpinteros que cavan el cuerpo, los que pintan el cuerpo, los que afinan las cuerdas, los que ensamblan todo y los que sienten que los martillistas son sólo algunos de los especialistas necesarios para crear un simple piano.

En la película hay entrevistas especiales y escenas del pianista francés Pierre-Laurent Aimard, del pianista y cantante americano Harry Connick Jr, de la pianista francesa Hélène Grimaud, de los pianistas americanos de jazz Kenny Barron, Marcus Roberts, Bill Charlap y Hank Jones, y el pianista chino Lang Lang.

Dirigida por Ben Niles, actualmente se presenta en la ciudad de New York. Sin embargo, los que no pueden asistir a Nueva York, pueden ver el trailer y pequeños clips de la película en el sitio web de Nota a Nota. También está disponible la información para las próximas presentaciones (en distintos lugares de todo el país).