Montserrat Caballé
Montserrat es conocida por sus papeles en las óperas de Rossini, Bellini, Donizetti. Su magnífica voz, su magnífico control de la respiración, sus exquisitos pianíssimos, y su técnica infame destacaron su actuación y sus habilidades dramáticas. Aunque la actuación personal favorita de Montserrat era su Norma del 20 de julio de 1974, ella es más conocida por su “Vissi d’Arte” de la Tosca de Puccini, que muestra su notable control de la respiración y técnica.

Renata Tebaldi
Conocida por su voz iluminadora y poco dramática, Renata Tebaldi se destacó en las últimas obras de Verdi. Aunque carecía del rango y la versatibilidad de Callas y Sutherland, Tebaldi conocía sus limitaciones y se atenía a lo que era capaz de hacer mejor. Hay muchos rumores centrados en la actualidad de su relación y/o rivalidad con María Callas. Algunos creen que solo fueron sus sellos de grabación creando algo resonante para obtener records de ventas mayores, mientras que las dos mujeres tocaban. Callas fue citada diciendo que comparar a las dos mujeres era como comparar al champán con el coñac. La respuesta de Tebaldi fue que hasta el champán se vuelve agrio. Cualquiera sea el caso, las dos ganaron los beneficios de la atención de los medios.

Leontyne Price
Enfrentada a la adversidad, Leontyne Price superó muchos desafíos en su vida y se convirtió en la primera Afro-Americana en aparecer en una producción de ópera televisada en 1955. Es conocida por su papel principal en Aida de Verdi y por su voz maravillosamente rica, poco pesada, brillante y suave. Su habilidad y dominio le hicieron ganar muchos premios y distinciones incluyendo a 19 Premios Grammy, el Kennedy Center Honors en 1980, así como también un Lifetime Achievement Grammy. Uno de sus mejores momentos (y lo sería para cualquier otro artista) fue su ovación de 42 minutos después de su debut actuando como Leonora en Il Trovatore de Verdi en la Metropolitan Opera en 1961.

Renee Fleming
Renee Fleming tiene una capacidad única para crear personajes reales en el sonido que emite desde su tono distintivo, oscuro, y sobre todo, coherente. Muchas sopranos pueden cantar alto y fuerte, pero su consistencia de sensibilidad le da un impresionante brillo a todas y a cada nota que canta. Lo que es más impresionante es su habilidad de mantener esos gloriosos sonidos en una forma aparentemente sin esfuerzo. Su voz no transporta al oyente hacia un mundo nuevo como Callas, ni tampoco su capacidad de actuar es como estelar, pero la versatilidad de Fleming crea un elemento de la verdad humana desde la música, que siempre es tan palpable para su público.

Una multitud se reunió recientemente en el palacio de Seattle de James y Sherry Raisbeck para honrar al tenor español José Carreras y para reunirse con sus Amigos de la Fundación Internacional de Leucemia José Carreras. Los invitados incluyeron a Jamie y Karen Moyer, Nobel Laureates, Dr. Linda Back, Dr. E. Donnall Thomas, Ann Wyckoff, Hutch Narodick Sally, y la sobrina de Fred Hutchinson, Charlotte Reed.

La Fundación Carreras planea dotar a una clínica de investigación en el centro de investigación de cáncer Fred Hutchinson en honor de Thomas, que fue pionero en el transplante de médula ósea y fue parte del equipo que trato con éxito al tenor de leucemia en 1987.

En la fiesta, Carreras fue uno de los muchos agasajados por el concierto del piano de cola 1919 de Raisbecks, de marca Knabe, tocando piezas de compositor ruso Sergei Rachmaninoff. Carreras se sentó y tocó el piano. ¿Estaba tocando Rachmaninoff? “No se podía reconocer”, dijo una fuente cercana al asunto. Mientras tanto, James Raisbeck, fundador y Director Ejecutivo de “Raisbeck Engineering”, regresó de California, donde recibió un prestigioso honor, un premio al logro de todo una vida de 50 años de contribuciones empresariales en el ámbito de la aviación y la aeronáutica, mejoras de diseño que afectan a la aviación general, comercial y de negocios.

Desde que muchas óperas fueron compuestas en contextos culturales que tal vez ya no existan hoy en día, el mejor método de revivir estas óperas es modernizándolas. ¿O no?

Modernizar o no modernizar, esta es la pregunta a la que se tiene que enfrentar muchas veces un director de ópera. Una modernización reflexiva puede aumentar el significado original de la historia, haciéndola relevante a los problemas contemporáneos. Sin embargo, una modernización descuidada, puede convertir a una ópera en una monstruosidad que pocas personas disfrutarán. La clave para una modernización exitosa es traducir la historia original buscando situaciones paralelas en el contexto cultural actual. Así, por ejemplo, en lugar de poner una ópera como Las Bodas de Figaro en la década de 1950, simplemente porque el diseñador quiere poner a todas las mujeres en faldas y bobby socks, un director podría considerar cuestiones paralelas que se plantean en la ópera y elegir un período de tiempo de acuerdo a esto. Dado que la cuestión de la igualdad de clase es un tema dominante en el matrimonio de Figaro, poner a la ópera en la década de 1960 con el fin de hacerle frente a al movimiento de los derechos podría ser un ejemplo de “traducir” una ópera. Entonces, una buena modernización, primero incluye examinar la ópera y, luego, elegir una época contemporánea que se ajuste a la historia, en vez de primero elegir una epoca y tratar de ajustar la historia de la ópera a ella.

La historia “West Side “de Leonard Bernstein es una modernización excelente de Romeo y Julieta, capaz de sostenerse por sí misma, incluso si uno no esta familiarizado con el juego de Shakespeare.

Compuesta en 1936, Carmina Burana de Orff (Canciones de Beuern) se puede escuchar en escenarios, televisores y pantallas de todo el mundo. El texto de la canción, Carmina Burana, fue descubierto en 1803 en el monasterio de Benediktbeuren, cerca de Munich, como parte de una colección de poesía Latina escrita por los goliards que data del siglo 12. Escrita exclusivamente para el entretenimiento, Carmina Burana se enfrenta a problemas similares a los problemas que enfrentamos hoy en día: el amor, el sexo, el alcohol, los juegos de azar, el destino y la fortuna. Debido a su uso intencionado, el texto fue escrito en latín vernáculo, francés medieval y alemán, de modo que sea comprendida fácilmente y accesible. Cuando compuso Carmina Burana, de Carl Orff seleccionó 24 de los poemas y los organizó por contenido temático: Fortuna, Imperatrix Mundi (Fortune, Empresa del Mundo), Primo Vere (Primavera), In taberna (en la taberna), y Cours d’Amour (La Corte del Amor).

Notas sobre la pieza musical “O Fortuna”
O Fortuna, sin duda la pieza más famosa de este trabajo, es reconocida por millones de personas en todo el mundo. Considero que es uno de esos trabajos desconocidos-pero-conocidos. Orff capta brillantemente el significado y la naturaleza de la Rueda de la Fortuna. Abriendo con una timbal golpeando y un gran coro, el oyente es introducido en la magnitud de la Rueda, mientras que el texto atrapador y la melodía sentada encima de un río de acompañamiento orquestal repitiéndose interminablemente, mimicks es su constante rotación. Seguidamente se puede escuchar la pieza y seguir al mismo tiempo la partitura.

El compositor de ópera italiano Gaetano Donizetti no ha sido nunca los suficientemente bien ponderado. Ha consagrado su vida al rubro lírico dejandono composiciones magistrales como La favorita, Lucrezia Borgia, Don Pasquale, entre otras. El siguiente fragmento muestra a Sumi Jo cantanto un aria de Lucia di Lammermoor.

Dentro del rubro de los musicales, El fantasma de la ópera se coloca como un musical tradicional en innovador a la vez. El siguiente fragmento encuentra a Sarah Brightman y Steve Harley interpretando uno de sus pasajes mas famosos.

Richard Strauss ayudó a construir el puente de transición entre la clásica música occidental del siglo XIX y la era contemporánea. Su rico cuadro tonal evoca la suntuosidad del cromatismo de la yuxtaposición de los estilos románticos y eclécticos del siglo XIX, presagiando el pluralismo del arte post moderno y de la ópera alemana.

Al igual que la música de Wagner, los trabajos de Strauss suelen estar manchados por su conexión con la Alemania Nazi, si bien su relación con el gobierno de Hitler era más bien pragmatismo artístico que apoyo ideológico. En 1933, fue nombrado presidente de la Música de Cámara del Reich.

Pero si bien Strauss era un compositor atrapado por las circunstancias, un colaborador cobarde, o algo intermedio, aún se las arreglaba para producir una significante producción musical, entre la que se encuentran sus notables poemas sinfónicos y óperas.

Sus poemas sinfónicos eran trabajos instrumentales con tinte dramático, basados generalmente en alguna otra pieza artística, tales como alguna pintura, poesía o novela. También Zarathustra, Op. 30, es tal vez el poema sinfónico más famoso de Strauss. El trabajo hace referencia al libro de Friedrich Nietzsche que lleva el mismo título. La obertura de dicho poema fue utilizada para la introducción de “2001: una odisea espacial,” y ahora forma una parte muy presente de la cultura popular, haciendo referencia al progreso tecnológico y cultural.

Entre las óperas más notables de este magnífico compositor encontramos: Salome (basada en una obra de Oscar Wilde), Electra (basada un una obra de Hofmannsthal) y Der Rosenkavalier (cuyo libreto fue escrito por Hofmannsthal). Strauss compuso también la música para la versión fílmica de Der Rosenkavalier. La historia cuenta las aventuras y percances de Octavian, Caballero de la Rosa, a la vez que utiliza todos los elementos más idóneos del género cómico: los errores de identidad, los triángulos amorosos, los disfraces y la humillación de los rivales. Salome aprovecha la fascinación occidental con la sensualidad exótica tan popular de esta era.

Además de compositor, Richard Strauss fue director de orquesta, y grabó algunas interpretaciones inusuales de varias sinfonías de Beethoven y Mozart. Duramente criticado por su falta de emoción y por sus tiempos precipitados, Strauss se las arregló para reducir la 9ª Sinfonía de Beethoven a unos escalofriantes 45 minutos (por lo general la interpretación de dicha obra artística suele durar más de una hora). La escasez de expresividad puede ser inusual, pero algunos encuentran que las excentricidades de Strauss son aproximaciones minimalistas refrescantes hacia el ámbito musical.

Uno de los fragmentos mas bellos de la ópera de Giachino Rossini “El barbero de Sevilla” es “Una voce poco fa” que seleccionamos a continuación. Esperamos sea de vuestro gusto.

Esta semana hemos agregado una biografía de Giovanni Pacini, el compositor de óperas del siglo XVII. Además, para los amantes del violín, hemos agregado consejor para aprender a tocar el violín, para optiminar nuestra técnica de violín y para mejorar la posición del brazo y del cuarto dedo.

Una de las arias mas bellas de la ópera clásica es la llamada “Nessun dorma” de Turandot, obra del célebre Giácomo Puccini con libreto de Adami y Simoni. Para quienes no conocen el desarrollo de la historia, aquí tienen una sinopsis de Turandot. Seguidamente podemos apreciar una interpretación del tenor italiano Luciano Pavarotti.

Recordemos entonces que Nessun dorma significa “Que nadie duerma”. Este es un dictámen que emite la fria princesa Turandot en las siguientes condiciones:

Recordemos que la princesa había propuesto tres acertijos al principe Calaf (del cual desconocía su nombre) con la condición de que si los acertaba se quedaría con su amor. Si no acertaba alguno de ellos, en cambio, moriría a manos del verdugo. Calaf, habiendo acertado los tres acertijos propuestos, se encontró con la negativa de la princesa de entregarle su amor. En un acto de grandeza, Calaf le propone a la princesa un acertijo. Si logra adivinar su nombre antes del amanecer, el se entregará por propia voluntad al verdugo.

Antes de proseguir con la historia, veamos como interpreta Plácido Domingo este excelente fragmento.

Finalmente, ante tal propuesta de Calaf (que la princesa diga su nombre, el cual desconocía, antes del amanecer), ella propone a su reino “Nessun dorma (que nadie duerma)” hasta que se averigue el nombre del principe.

Finalmente, Mario Lanza nos regala su interpretación.

Recordemos, que la princesa finalmente reconoce el nombre del principe: “Tu nombre es Amor“, le dice.