Qué bien lo toca el maestro!

Leonard Rosenman, un compositor ganador de dos premios Oscar por su trabajo en “Barry Lyndon” y “Bound for Glory”, escribió la partitura para las legendarias películas de James Dean; “Al este del eden” y “Rebelde sin causa”. Su deceso se produjo hace pocas semanas a los 83 años.

Rosenman, quien había sufrido de demencia temporal en años recientes, murió de un ataque cardíaco en el Motion Picture & Televisión Hospital en Woodland Hills, dijo su mujer de 19 años, Judie Gregg Rosenman.

En una carrera de Hollywood de más de 46 años que empezó con “Al este del eden”, la película de 1955 dirigida por Elia Kazan, podemos recordar que Leonard nació en Brooklyn, N.Y. Rosenman escribió cerca de 4 docenas de películas para cine y tres docenas de películas para televisión y miniseries.

También contribuyó con la música en al menos 15 series televisivas, incluyendo el tema principal del primer episodio de “The defenders”, y componiendo toda la música para “Combate” y la mayoría de la música de “Marcus Welby, M.D.” Por sus trabajos en la televisión, gano 2 Emmys, por su música en “Sybil” (1976), la cual compartió con Alan y Marilyn Bergman; y por “Friendly FIRE” (1979). En adición a sus premios de la academia por “Barry Lindon” (1975) y “Bound for the Glory” (1976), él también recibió nominaciones al oscar por “Cross Creek” (1983) y “Star Trek IV: “El regreso a casa” (1986).

“La ironía de sus oscar ganados por ‘Barry Lyndon’ y ‘Bound for Glory’ fue que él estaba adaptando música de otros, aunque pasó la vasta mayoría de se carrera escribiendo musica original para las películas”, contó el historiador de música de películas Jon Burlingame a “The Times” el martes.

Rosenman también escribió partituras para películas tales como “El infierno es para los héroes” (1962), “Viaje fantástico” (1966) y “Un hombre llamado caballo” (1970). “La cosa sobre Leonard es que el fue uno de los chicos nuevos que salieron al exterior aquí en los 50s, esa especie de golpe de largada con la música de películas cambiándolas a un estilo mas contemporáneo”, dijo Burlingame, quien enseña historia de la música en la USC.

“La mayoría de la música de las películas de los 30s y 40s y en los 50s eran en esencia con unas melodías románticas del siglo 19, entonces era música dramática”, agregó. Pero cuando Rosenman y el compositor Alex North “Salieron de Nueva York para empezar a escribir música de películas en los 50s, ellos trajeron técnicas más modernas las películas.”

“En particular, a Rosenman le gustaba escribir música sofisticada, música atonal y música serial polifónica. Estas son todas técnicas que eran inusuales para Hollywood y, en efecto, fueron rechazadas por muchos compositores por ser muy intelectuales para una película”.

Haydn fue uno de los tres niños nacidos de Mathias Haydn y Anna Marií Koller. Su padre era un maestro que amaba la música. Tocaba el arpa, mientras que la mamá de Haydn cantaba las melodías. Anna María era cocinera del Conde Karl Anton Harrach antes de casarse con Mathias. Michael, el hermano de Haydn, también compuso música y se hizo relativamente famoso. Johann Evangelist, su hermano menor, cantó como tenor en el coro de la iglesia “Esterhazy Court”.

Haydn tenía una voz espectacular y su musicalidad era precisa. Johann Franc, impresionado por la voz de Haydn, le insistió a sus padres para que le permitan vivir con él para estudiar música. Franc era director de una escuela y el director del coro de una iglesia en Hainburg. Los padres de Haydn le permitieron ir con la esperanza de que creciera a algo muy especial. Haydn estudió principalmente música, pero también estudió latín, escritura, aritmética y religión. Pasó la mayor parte de su infancia cantando en los coros de las iglesias.

También entrenó a su hermano menor Michael, cuando él se unió al coro de la escuela tres años más tarde, dado que era costumbre que los chicos mayores instruyan a los más jóvenes. Aunque Haydn tenía una gran voz, la perdió cuando atravesó la pubertad. Michael, quien también tenía una voz hermosa, recibió la atención que Haydn estaba acostumbrado a recibir. Haydn fue despedido de la escuela a los 18 años.

Haydn se ganó la vida convirtiéndose en un músico independiente, enseñando música y composición. Su primer trabajo estable llegó en 1757, cuando fue contratado como director musical para el “Conde Morzin”. Su nombre y sus composiciones se volvieron reconocidos en poco tiempo. Durante su tiempo con el Conde Morzin, Haydn escribió 15 sinfonías, conciertos, sonatas para piano, y posiblemente loa cuartetos de cuerdas, op.2, números 1 y 2. Se casó con María Anna Keller el 26 de noviembre de 1760.
En 1761, Haydn comenzó su larga relación con la familia más rica de la nobleza húngara, la familia Esterhazy. Pasó casi 30 años de su vida allí. Fue contratado como vice-Kapellmeister ganando 400 guldens al año, y a medida que pasaba el tiempo, su salario aumentaba, así como su ranking dentro de la corte. Su música se volvió bastante popular.

Desde 1791, Haydn pasó cuatro años en Londres componiendo música y experimentando la vida fuera de la corte real. Su tiempo en Londres fue el punto culminante de su carrera. Obtuvo cerca de 24.000 gulden sen un solo año (la suma de su sueldo combinado de casi 20 años como Kapellmeister). Haydn pasó los últimos años de su vida en Viena componiendo sólo piezas vocales como masas y oratorios. Haydn falleció en medio de la noche debido a su vejez. El Requiem de Mozart fue tocado en su funeral.

Buscar miembros para bandas o grupos de música de cualquier tipo nunca es una tarea fácil. Primero habrás de preguntarte qué es exactamente lo que estas buscando, ya que esto sea participar en una banda existente o encontrar miembros individuales para crear tu propia banda o grupo. Obviamente, ambos tienen sus diferencias y esto debe ser respondido antes de comenzar tu agotadora búsqueda.

Pronto continuará.

Más de 25 años después de su muerte, Bill Evans sigue siendo uno de los pianistas más importantes del jazz moderno. Su lirismo introspectivo y su sutil clásica occidental florece teniendo ecos en una legión de tecladistas. Como director y compositor, introdujo un acercamiento influyente y altamente interactivo a las actuaciones en trío y en pequeños grupos.

William John Evans, nacido el 16 de agosto de 1929 en Plainfield, NJ, estaba fascinado por la música desde que era pequeño ya que escuchaba las lecciones de piano de su hermano mayor. En ese tiempo tenía 6 años; estaba tomando lecciones por sí mismo y mostraba una capacidad extraña para leer y absorber la música. Evans siguió a su hermano a la Universidad “Southeastern Louisiana”. Abandonó la universidad para un breve tiempo en el Ejército, y en 1955 se matriculó en el Mannes College of Music de la Ciudad de Nueva York. La escena de jazz de Nueva York le permitió afinar su oficio y relacionarse con pianistas como Bud Powell, Horace Silver, Lennie Tristano, y George Shearing. Evans logró pronto un contrato de grabación con Riverside Records, y su disco de debut (New Jazz Conceptions) fue lanzado en septiembre de 1956. Sus primeros trabajos impresionaron al trompetista Miles Davis, quien invitó a Evans a unirse en una banda que incluía al saxofonista Cannonball Adderley y John Coltrane, al bajista Paul Chambers y al baterista Jimmy Cobb. Junto con el pianista Wynton Kelly, grabaron el seminal Kind Of Blue. Seguidamente Waltz for Debby por su trío.

El éxito de Kind of Blue, emparejado la popularidad mundial de Davis, puso al tímido Evans en el punto de mira, que más tarde demostró ser demasiado para él. Su respuesta fue autodestructiva: Consumió cocaína y heroína que lo llevaron a su ruptura con Riverside Records. Evans continuó tocando, mayoritariamente en tríos. Con el bajista Scott LaFaro y el baterista Paul Motian, desarrolló un nuevo concepto para el trío de piano, con papeles más activos para el bajo y la batería. El nuevo enfoque de Evans recibió grandes elogios del público, de críticos, y de colegas y músicos. Cuando LaFaro murió a los 25 años en un accidente automovilístico en 1961, Evans quedo devastado y casi deja de tocar por completo. Pero él se reagrupó y formó varios tríos nuevos, sustituyendo a LaFaro con bajistas como Chuck Israels y Eddie Gomez. En 1977, Evans formó un trío con el bajista Marc Johnson y con el batería Joe LaBarbara.

La carrera de Evans se acortó por la mala salud, agravada por su drogadicción, y murió en 1980 a los 51 años. Pero sus ideas innovadoras y su influencia musical viven en la técnica de tocado de innumerables pianistas contemporáneos.

Debussy creció en un modesto hogar en la ciudad de St Germain-en-Laye cerca de París. Sus padres vivian gracias a la tienda china que tenían. Su padre también trabajó como viajante de ventas, secretario y asistente de un impresor. Debussy rara vez habló de su infancia porque no la disfrutó. Lamentablemente, sus labios apretados les dejaron a los historiadores pocos detalles de sus primeras etapas de vida. Sin embargo, está claro que fue un gran pianista durante su infancia. Fue admitido en el Conservatorio de Música de París a los once años en donde estudió con Ernest Guiraud, César Franck, y otros más por los siguientes doce años. Aunque entró en el conservatorio para “mejorarse” en el piano, después de varios intentos fallidos en un piano “final”, cambió sus intereses hacia la composición musical.

En 1884, Debussy ganó el Grand Prix de Roma, un premio muy codiciado en donde el que lo recibe tiene la oportunidad de estudiar en la Academia de Francia en Roma por los dos años siguientes, debido a su trabajo L’enfant prodigue (El Hijo Pródigo). Sus presentaciones posteriores al Grand Prix no tuvieron éxito. En 1888, despues de pasar dos años en la Academia, Debussy viajó a Bayreuth en donde escuchó la música de Wagner. La influencia Wagner se hace evidente en las obras “La damoiselle blue” y “Cinq poèmes de Baudelaire” de Debussy.
Durante la década de 1890, todas las experiencias y conocimientos adquiridos por Debussy culminaron en el periodo más productivo musicalmente de su vida. Aunque a Debussy le gustaba mucho Wagner, el estilo de composición de Debussy tomó -por falta de un término mejor– un curso impresionista. En 1894, Debussy terminó su primer trabajo orquestal importante: “Prélude à l’après-midi d’un faune”. La única opera de Debussy, Pelléas et Mélisande, largamente compuesta desde 1893-1895 no fue terminada hasta 1902. Sus armonías modernas y etéreas reunieron duras críticas junto con una gran aceptación.

Durante los últimos años de la vida de Debussy, creó algunas de sus obras de piano más famosas. Los preludios de piano de Debussy, los cuales incluyen a “La Cathédrale Engloutie”, a veces son comparados con los de Chopin. En 1910, Debussy desarrolló cáncer de recto, debilitándolo lentamente día a día. No fue hasta 1918, mientras que París estaba bajo ataque alemán, que el cáncer finalmente terminó su vida.

Frantisek, el padre de Dvorak, era carnicero y posadero. Toco la cítara por diversión y entretenimiento, pero más tarde la tocó profesionalmente. Su madre, Anna, vino de Uhy. Antonin Dvorak era el mayor de ocho chicos. En 1847, Dvorak comenzó a tomar lecciones de voz y de violín de Joseph Spitz. Dvorak se adaptó rápidamente al violín y pronto comenzó a tocar en bandas de la iglesia y del pueblo. En 1853, los padres de Dvorak lo enviaron a Zlonice para que continuara su educación aprendiendo alemán, al igual que la música. Joseph Toman y Antonin Leihmann continuaron enseñándole a Dvorak violín, voz, órgano, piano y teoría de la música.

En 1857, Dvorak se trasladó a la Escuela de “Organo de Praga” en donde continuó estudiando teoría de la música, armonización, modulación, improvisación, contrapunto y fuga. Durante este tiempo, Dvorak tocó la viola en la Sociedad de Cecilia. Tocó obras de Beethoven, Mendelssohn, Schumann y Wagner. Mientras estaba en Praga, Dvorak pudo asistir a conciertos tocando obras de Liszt conducidas por el mismo Liszt. Dvorak dejó la escuela en 1859. Fue segundo en su clase.

En los últimos meses del verano de 1859, Dvorak fue contratado para tocar la viola en una pequeña banda, la cual posteriormente se convirtió en los cimientos de la Orquesta de Teatro Provisional. Cuando se formó la orquesta, Dvorak se convirtió en el violinista principal. En 1865, Dvorak le enseñó piano a las hijas de un orfebre; una de las que más tarde se convirtió en su esposa (Anna Cermakova). No fue hasta 1871 cuando Dvorak dejó el teatro. Durante estos años, Dvorak estuvo componiendo en privado.

Debido a que sus primeros trabajos fueron demasiado exigentes para los artistas que los tocaban, Dvorak evaluó y modernizó su trabajo. El se alejó de su pesado estilo germánico acercándose hacia un estilo más clásico eslavo de una forma bastante directa. Además de enseñar piano, Dvorak se unió a la Orquesta Austríaca como un medio de ingresar. En 1877, Brahms, impresionado por los trabajos de Dvorak, estuvo en el panel de jueces que le hicieron ganar 400 guldens. Una carta escrita por Brahms acerca de la música de Dvorak le hizo ganar a Dvorak mucha fama.

Durante los últimos 20 años de la vida de Dvorak, su música y su nombre se hicieron conocidos internacionalmente. Dvorak ganó muchos honores, premios y doctorados honorarios. En 1892, Dvorak se trasladó a América para trabajar como el director artístico para el Conservatorio Nacional de Música en Nueva York por $15.000 USD (casi 25 veces lo que ganaba en Praga). Su primera actuación fue en el Carnegie Hall (en el estreno de “Te Deum”). La sinfonía New World de Dvorak fue escrita en América. El 1 de mayo de 1904, Dvorak falleció por una enfermedad.

Bugs Bunny pudo haber sido un conejo sabio como un “hombre común”, pero también tuvo tiempo para mezclarse en la ópera. Una historia reciente sobre la música clásica en los dibujos animados demuestra que este medio “poco culto” fue utilizado durante mucho tiempo para familiarizar a la cultura americana con los “clásicos”. ¿Quién no asoció al Allegro de la Sonata de Mozart en Do con el pájaro Tweety? ¿O a la canción del invierno de Mendelssohn con Bugs Bunny?

Una revisión adecuada del tema nos muestra varios ejemplos de la música de piano y de la música orquestal mostrada en los dibujos animados, pero no menciona donde parece terminar Bugs Bunny: en la casa de ópera. En la casa de ópera, Bugs Bunny tiene el mayor espacio para convenciones trastornantes, para frustrar los valores de clases superiores y, por último, darle un resbalón una vez más a los pistoleros con armas. Como filósofo ruso Mikhail Bakhtin podría decir que la ópera ofrece el lugar perfecto para organizar un “carnaval”, o que el reverso de la situación actual de “Highbrow” es ridículo, que el inferior gana y que “todo es al revés”.

Dmitry Shostakovich fue un compositor Soviético, uno de los compositores más grandes del siglo 20, junto con Stravinsky y Prokofiev. Se destacó en las sinfonías, escribiendo aproximadamente 15, siendo la Sinfonía número 5 la considerada como su mejor composición. Sus otros trabajos incluyen un concierto de violín, tríos de piano, cuartetos de cuerdas, ballets, música de peliculas y óperas.

Sus primeros años
Dmitry Shostakovich (Dmitriyevich) nació en San Petersburgo el 25 de septiembre de 1906. Sus padres eran intelectuales y músicos talentosos. Inicialmente estudió con su madre, una pianista profesional. Entrenó en el Conservatorio de San Petersburgo cuando tenía 10 años y se convirtió en un pianista destacado. Tres años más tarde, estudió en el Conservatorio Petrograd con Alexander Glazunov. A los 19 años, su Sinfonía no.1 fue su pieza de graduación, que le hizo ganar su primera atención internacional. Su desarrollo creativo fue determinado más por sus eventos en casa. Mas tarde se casó con una científica, Nina Varzara y tuvieron dos hijos: Maxim, que se convirtió en director de orquesta y pianista, y Galya.

El gobierno de Stalin y su influencia en el trabajo de Shostakovich
Su música es tonal y bastante dramática, aunque no siempre fue del gusto oficial soviético. Muchos de sus trabajos fueron escritos en formas de sinfonías, conciertos para piano y cuartetos de cuerdas. Escribió, como dijimos antes, 15 sinfonías, música de cámara y películas, ballets y óperas incluyendo a Lady Macbeth de Mtsensk, que fue retirada por Stalin por no ser suficientemente nacionalista, por ser “muy divorciada del proletariado” y por esto fue deshonrado. Como resultado, retiró su Cuarta Sinfonía el mismo año. Sin embargo, en los años siguientes, Lady Macbeth de Mtsensk fue revivida como Katerina Ismaylova. Su reputación se restableció con la Sinfonía no.5 en 1937. Tres años más tarde, Shostakovich ganó el Premio Stalin de Quintetos para piano.

Luego de la muerte de Stalin, Dmitry Shostakovich fue condecorado con la Orden de Lenin. Como un artista soviético líder, se desarrolló a través de una agitación política durante los peores años de las reglas de Stalin seguidos por la invasión Alemana a la Unión Soviética en 1941. Todos estos hechos históricos se cruzaron con su música. Murió en Moscú, a los 69 años. Seguidamente, un fragmento de la quinta sinfonía.