Si puedes apreciar el tarareo despreocupado de un niño jugando o el silbido optimista de un adulto alegre, entenderás por qué Myrna Bolger-Taul se encuentra haciendo de la música parte del proceso de curación en el centro medico Saint Agnes en Fresno, California. La mayoría de las personas siente intuitivamente que la música es buena para el alma, nos comenta ella. Pero la investigación científica también muestra que hacer sonidos alegres también es bueno para el cuerpo.

Bolger-Taul, coordinadora del humor, la música y el ritmo en Saint Agnes, puso estos beneficios terapéuticos a trabajar, creando un laboratorio de música que le da a los pacientes y a los miembros del personal del hospital la oportunidad de relajarse escuchando música recreativa en pianos computarizados. Incluso si no puedes cantar una canción o tocar un instrumento, dice, la creación de melodías puede ayudar a la salud reduciendo el estrés que causa desgaste extra y tensión en el cuerpo.

“Los pacientes necesitan estimulación”, dice Bolger-Taul. “Los alentamos a hacer cosas por sí mismos que los hacen sentir bien”. La música es una de esas cosas. El laboratorio contiene cinco pianos digitales Yamaha Clavinova y Disklavier que le permiten a cualquiera, incluso a las personas sin experiencia musical o con habilidades físicas limitadas, tocar junto con el programa interactivo.

Los pianos pueden ser programados para reproducir 600 sonidos de instrumentos diferentes y tienen luces en el teclado que se prenden para mostrar que teclas tocar. Incluso tocando una melodía simple con un dedo, mientras que se toca un acompañamiento de orquesta en el fondo, provee un sonido calmante. “Cualquiera puede hacerlo”, dice Bolger-Taul. “Vos sólo tenes que seguir las luces, y esto hace que se te valla el estrés”.

Debussy creció en un modesto hogar en la ciudad de St Germain-en-Laye cerca de París. Sus padres vivian gracias a la tienda china que tenían. Su padre también trabajó como viajante de ventas, secretario y asistente de un impresor. Debussy rara vez habló de su infancia porque no la disfrutó. Lamentablemente, sus labios apretados les dejaron a los historiadores pocos detalles de sus primeras etapas de vida. Sin embargo, está claro que fue un gran pianista durante su infancia. Fue admitido en el Conservatorio de Música de París a los once años en donde estudió con Ernest Guiraud, César Franck, y otros más por los siguientes doce años. Aunque entró en el conservatorio para “mejorarse” en el piano, después de varios intentos fallidos en un piano “final”, cambió sus intereses hacia la composición musical.

En 1884, Debussy ganó el Grand Prix de Roma, un premio muy codiciado en donde el que lo recibe tiene la oportunidad de estudiar en la Academia de Francia en Roma por los dos años siguientes, debido a su trabajo L’enfant prodigue (El Hijo Pródigo). Sus presentaciones posteriores al Grand Prix no tuvieron éxito. En 1888, despues de pasar dos años en la Academia, Debussy viajó a Bayreuth en donde escuchó la música de Wagner. La influencia Wagner se hace evidente en las obras “La damoiselle blue” y “Cinq poèmes de Baudelaire” de Debussy.
Durante la década de 1890, todas las experiencias y conocimientos adquiridos por Debussy culminaron en el periodo más productivo musicalmente de su vida. Aunque a Debussy le gustaba mucho Wagner, el estilo de composición de Debussy tomó -por falta de un término mejor– un curso impresionista. En 1894, Debussy terminó su primer trabajo orquestal importante: “Prélude à l’après-midi d’un faune”. La única opera de Debussy, Pelléas et Mélisande, largamente compuesta desde 1893-1895 no fue terminada hasta 1902. Sus armonías modernas y etéreas reunieron duras críticas junto con una gran aceptación.

Durante los últimos años de la vida de Debussy, creó algunas de sus obras de piano más famosas. Los preludios de piano de Debussy, los cuales incluyen a “La Cathédrale Engloutie”, a veces son comparados con los de Chopin. En 1910, Debussy desarrolló cáncer de recto, debilitándolo lentamente día a día. No fue hasta 1918, mientras que París estaba bajo ataque alemán, que el cáncer finalmente terminó su vida.

Frantisek, el padre de Dvorak, era carnicero y posadero. Toco la cítara por diversión y entretenimiento, pero más tarde la tocó profesionalmente. Su madre, Anna, vino de Uhy. Antonin Dvorak era el mayor de ocho chicos. En 1847, Dvorak comenzó a tomar lecciones de voz y de violín de Joseph Spitz. Dvorak se adaptó rápidamente al violín y pronto comenzó a tocar en bandas de la iglesia y del pueblo. En 1853, los padres de Dvorak lo enviaron a Zlonice para que continuara su educación aprendiendo alemán, al igual que la música. Joseph Toman y Antonin Leihmann continuaron enseñándole a Dvorak violín, voz, órgano, piano y teoría de la música.

En 1857, Dvorak se trasladó a la Escuela de “Organo de Praga” en donde continuó estudiando teoría de la música, armonización, modulación, improvisación, contrapunto y fuga. Durante este tiempo, Dvorak tocó la viola en la Sociedad de Cecilia. Tocó obras de Beethoven, Mendelssohn, Schumann y Wagner. Mientras estaba en Praga, Dvorak pudo asistir a conciertos tocando obras de Liszt conducidas por el mismo Liszt. Dvorak dejó la escuela en 1859. Fue segundo en su clase.

En los últimos meses del verano de 1859, Dvorak fue contratado para tocar la viola en una pequeña banda, la cual posteriormente se convirtió en los cimientos de la Orquesta de Teatro Provisional. Cuando se formó la orquesta, Dvorak se convirtió en el violinista principal. En 1865, Dvorak le enseñó piano a las hijas de un orfebre; una de las que más tarde se convirtió en su esposa (Anna Cermakova). No fue hasta 1871 cuando Dvorak dejó el teatro. Durante estos años, Dvorak estuvo componiendo en privado.

Debido a que sus primeros trabajos fueron demasiado exigentes para los artistas que los tocaban, Dvorak evaluó y modernizó su trabajo. El se alejó de su pesado estilo germánico acercándose hacia un estilo más clásico eslavo de una forma bastante directa. Además de enseñar piano, Dvorak se unió a la Orquesta Austríaca como un medio de ingresar. En 1877, Brahms, impresionado por los trabajos de Dvorak, estuvo en el panel de jueces que le hicieron ganar 400 guldens. Una carta escrita por Brahms acerca de la música de Dvorak le hizo ganar a Dvorak mucha fama.

Durante los últimos 20 años de la vida de Dvorak, su música y su nombre se hicieron conocidos internacionalmente. Dvorak ganó muchos honores, premios y doctorados honorarios. En 1892, Dvorak se trasladó a América para trabajar como el director artístico para el Conservatorio Nacional de Música en Nueva York por $15.000 USD (casi 25 veces lo que ganaba en Praga). Su primera actuación fue en el Carnegie Hall (en el estreno de “Te Deum”). La sinfonía New World de Dvorak fue escrita en América. El 1 de mayo de 1904, Dvorak falleció por una enfermedad.

Bugs Bunny pudo haber sido un conejo sabio como un “hombre común”, pero también tuvo tiempo para mezclarse en la ópera. Una historia reciente sobre la música clásica en los dibujos animados demuestra que este medio “poco culto” fue utilizado durante mucho tiempo para familiarizar a la cultura americana con los “clásicos”. ¿Quién no asoció al Allegro de la Sonata de Mozart en Do con el pájaro Tweety? ¿O a la canción del invierno de Mendelssohn con Bugs Bunny?

Una revisión adecuada del tema nos muestra varios ejemplos de la música de piano y de la música orquestal mostrada en los dibujos animados, pero no menciona donde parece terminar Bugs Bunny: en la casa de ópera. En la casa de ópera, Bugs Bunny tiene el mayor espacio para convenciones trastornantes, para frustrar los valores de clases superiores y, por último, darle un resbalón una vez más a los pistoleros con armas. Como filósofo ruso Mikhail Bakhtin podría decir que la ópera ofrece el lugar perfecto para organizar un “carnaval”, o que el reverso de la situación actual de “Highbrow” es ridículo, que el inferior gana y que “todo es al revés”.

Dmitry Shostakovich fue un compositor Soviético, uno de los compositores más grandes del siglo 20, junto con Stravinsky y Prokofiev. Se destacó en las sinfonías, escribiendo aproximadamente 15, siendo la Sinfonía número 5 la considerada como su mejor composición. Sus otros trabajos incluyen un concierto de violín, tríos de piano, cuartetos de cuerdas, ballets, música de peliculas y óperas.

Sus primeros años
Dmitry Shostakovich (Dmitriyevich) nació en San Petersburgo el 25 de septiembre de 1906. Sus padres eran intelectuales y músicos talentosos. Inicialmente estudió con su madre, una pianista profesional. Entrenó en el Conservatorio de San Petersburgo cuando tenía 10 años y se convirtió en un pianista destacado. Tres años más tarde, estudió en el Conservatorio Petrograd con Alexander Glazunov. A los 19 años, su Sinfonía no.1 fue su pieza de graduación, que le hizo ganar su primera atención internacional. Su desarrollo creativo fue determinado más por sus eventos en casa. Mas tarde se casó con una científica, Nina Varzara y tuvieron dos hijos: Maxim, que se convirtió en director de orquesta y pianista, y Galya.

El gobierno de Stalin y su influencia en el trabajo de Shostakovich
Su música es tonal y bastante dramática, aunque no siempre fue del gusto oficial soviético. Muchos de sus trabajos fueron escritos en formas de sinfonías, conciertos para piano y cuartetos de cuerdas. Escribió, como dijimos antes, 15 sinfonías, música de cámara y películas, ballets y óperas incluyendo a Lady Macbeth de Mtsensk, que fue retirada por Stalin por no ser suficientemente nacionalista, por ser “muy divorciada del proletariado” y por esto fue deshonrado. Como resultado, retiró su Cuarta Sinfonía el mismo año. Sin embargo, en los años siguientes, Lady Macbeth de Mtsensk fue revivida como Katerina Ismaylova. Su reputación se restableció con la Sinfonía no.5 en 1937. Tres años más tarde, Shostakovich ganó el Premio Stalin de Quintetos para piano.

Luego de la muerte de Stalin, Dmitry Shostakovich fue condecorado con la Orden de Lenin. Como un artista soviético líder, se desarrolló a través de una agitación política durante los peores años de las reglas de Stalin seguidos por la invasión Alemana a la Unión Soviética en 1941. Todos estos hechos históricos se cruzaron con su música. Murió en Moscú, a los 69 años. Seguidamente, un fragmento de la quinta sinfonía.

Mucho es familiar para el pianista prodigio de 19 años, sin embargo. Practicando su instrumento, por un lado, y tocando alrededor de todo el país, por otra. Albright -que toca el piano desde los tres años y medio– asiste a la Universidad de Harvard en Cambridge, Massachusetts (al igual que Adam Golka). Tiene la clase de curriculum que muchos pianistas de su edad sueñan tener. Una pequeña muestra:

> Ganó el primer lugar en la Competencia Internacional de Piano Eastman en la Escuela de Música de Eastman en Rochester, NY, en el 2006.

> Ganó las divisiones solistas y en conjunto de la Competición de Piano Biennial New York en el colegio de música Manhattan en el 2006.

> En el 2004, fue la persona más joven seleccionada para la “Texas Christian University/Cliburn Piano Institute Young Artists Program” en Fort Worth, Texas.

> Tocó en ciudades como Seattle, Nueva York, Filadelfia y Washington, DC, y participó en el “Paris Piano Institute 2007” en Francia.

Gracias a todo el tiempo que pasó viajando mientras crecía, no le fue difícil adaptarse a la vida fuera de casa, dijo Albright. Sin embargo, equilibrar a la escuela y al tiempo de tocar el piano es un poco más difícil, dijo. “Esta escuela es terriblemente difícil”, dijo. Aún así, dijo que le encanta.

“La gente en Harvard es asombrosa. Cada uno aquí es espectacular en algo… Oirás, ‘Oh, ella es la campeona nacional de ortografía’”, dijo Albright. “Y la gente aquí es muy buena, también, lo que es realmente genial”. Albright es parte de un programa en conjunto entre Harvard y el prestigioso Conservatorio New England, que se encuentra a lo largo del río Charles en Boston. En cuatro años, va a tener su título de licenciatura de Harvard -en este punto, está buscando especializarse en economía, y tambien podria tomar clases de premedico- y un año después de esto, va a tener un master en piano de la NEC, en donde está estudiando con el maestro de origen coreano Wha Kyung Byun.

Una multitud se reunió recientemente en el palacio de Seattle de James y Sherry Raisbeck para honrar al tenor español José Carreras y para reunirse con sus Amigos de la Fundación Internacional de Leucemia José Carreras. Los invitados incluyeron a Jamie y Karen Moyer, Nobel Laureates, Dr. Linda Back, Dr. E. Donnall Thomas, Ann Wyckoff, Hutch Narodick Sally, y la sobrina de Fred Hutchinson, Charlotte Reed.

La Fundación Carreras planea dotar a una clínica de investigación en el centro de investigación de cáncer Fred Hutchinson en honor de Thomas, que fue pionero en el transplante de médula ósea y fue parte del equipo que trato con éxito al tenor de leucemia en 1987.

En la fiesta, Carreras fue uno de los muchos agasajados por el concierto del piano de cola 1919 de Raisbecks, de marca Knabe, tocando piezas de compositor ruso Sergei Rachmaninoff. Carreras se sentó y tocó el piano. ¿Estaba tocando Rachmaninoff? “No se podía reconocer”, dijo una fuente cercana al asunto. Mientras tanto, James Raisbeck, fundador y Director Ejecutivo de “Raisbeck Engineering”, regresó de California, donde recibió un prestigioso honor, un premio al logro de todo una vida de 50 años de contribuciones empresariales en el ámbito de la aviación y la aeronáutica, mejoras de diseño que afectan a la aviación general, comercial y de negocios.

Desde que muchas óperas fueron compuestas en contextos culturales que tal vez ya no existan hoy en día, el mejor método de revivir estas óperas es modernizándolas. ¿O no?

Modernizar o no modernizar, esta es la pregunta a la que se tiene que enfrentar muchas veces un director de ópera. Una modernización reflexiva puede aumentar el significado original de la historia, haciéndola relevante a los problemas contemporáneos. Sin embargo, una modernización descuidada, puede convertir a una ópera en una monstruosidad que pocas personas disfrutarán. La clave para una modernización exitosa es traducir la historia original buscando situaciones paralelas en el contexto cultural actual. Así, por ejemplo, en lugar de poner una ópera como Las Bodas de Figaro en la década de 1950, simplemente porque el diseñador quiere poner a todas las mujeres en faldas y bobby socks, un director podría considerar cuestiones paralelas que se plantean en la ópera y elegir un período de tiempo de acuerdo a esto. Dado que la cuestión de la igualdad de clase es un tema dominante en el matrimonio de Figaro, poner a la ópera en la década de 1960 con el fin de hacerle frente a al movimiento de los derechos podría ser un ejemplo de “traducir” una ópera. Entonces, una buena modernización, primero incluye examinar la ópera y, luego, elegir una época contemporánea que se ajuste a la historia, en vez de primero elegir una epoca y tratar de ajustar la historia de la ópera a ella.

La historia “West Side “de Leonard Bernstein es una modernización excelente de Romeo y Julieta, capaz de sostenerse por sí misma, incluso si uno no esta familiarizado con el juego de Shakespeare.