El último piano que tocó John Lennon en su vida (no confundir con el piano de Lennon que se encuentra de gira en Estados Unidos) será finalmente, luego de mucho debate, subastado por la empresa americana Moments in time. El piano en cuestión fue tocado por John horas antes de ser asesinado en Nueva York.

En cuanto al instrumento en sí, se trata de un piano de la New England Piano Co. fabricado en la ciudad de Boston, Massachusets. Es un piano de calidad intermedia que era parte de los instrumentos que conformaban el plante del estudio de grabación “Record Plant” de Manhattan.

El precio base de la subasta ha sido fijado en la suma de 375.000 dólares estadounidenses.

Todos sabemos que Paul Mccartney fue uno de los dos genios creadores detrás de los Beatles. El otro era John Lennon. El diario Clarin publica una interesante entrevista a Paul en ocasión de estar pronto a editar su nuevo trabajo discográfico.

Sus reflexiones luego de tantos años en la música son muy interesantes. Recomendamos su lectura ya que hace una restrospectiva de toda su obra musical incluyendo sus trabajos con los Beatles. La entrevista puede leerse en este enlace.

Muchos de los compositores inconformistas de América se han transformado finalmente en inventores. La cultura musical que heredamos de Europa, e incluso de aquellos músicos que han traído música de Asia y África, no siempre ha sido suficiente para las necesidades de la democrática, comercial, ruidosa y avanzada América. El oboe, el piano, el violín no siempre pueden tocar la música que los americanos queremos oír en nuestras cabezas. Algunos de los compositores inconformistas de América han sido llamados inventores de un modo despectivo. En un articulo de 1962, Aaron Copland llamó a Henry Cowel “un inventor, no un compositor”. Repitiendo ese comentario, muchos años después Arnold Schoenberg diría que su estudiante John Cage “no era un compositor, sino un inventor— ¡un genio!”. De algún modo, en el mundo de la orquesta sinfónica y en el de los conservatorios de música, ser un inventor musical no es ser del todo un compositor.

Pero Henry Cowell fue un inventor. Siendo adolescente tocaba el teclado del piano con sus puños y sus antebrazos, golpeando muchas notas continuas a la vez: el acorde “cluster”. Resultó que Charles Ives ya había inventado el acorde cluster unos pocos años antes, pero no había problema, Cowell tenía otras invenciones. Fue el primero en tocar el piano rasgueando las cuerdas. Fue el primero en pasar su uña a lo largo de una cuerda del piano, produciendo un extraño llanto, como si fuera el lamento de un fantasma.

En su libro “Nuevos recursos musicales”, se encuentra su invento más significativo de todos: inventó un nuevo enfoque del ritmo que dividía la medición en muchas diferentes divisiones iguales, lo que permitía que varios tiempos fueran tocados a la vez. A los 20 años, escribió una pieza irónicamente titulada “Cuarteto romántico”, para dos flautas, violín y viola, en la cual ilustraba sus teorías. Esta composición abría con los instrumentos tocando poliritmos de 4 contra 5 contra 6, y luego se movía a tiempos de 16 contra 27, contra 36, contra 45 y así sucesivamente. Casi inejecutable, la pieza permaneció sin escucharse hasta 1978, cuando fue grabada por cuatro intérpretes que escuchaban mediante auriculares “clicktracks” (marcaciones de tiempo) marcando sus diversos tiempos. Seguidamente podemos ver una de sus obras para “piano y manos”.

Una de las cosas que menciona Cowell en su libro es que, si bien estos ritmos pueden ser imposibles de ejecutar para intérpretes humanos, “estos altamente abstractos complejos rítmicos podrían ser fácilmente cortados en un rollo para pianola u otros instrumentos mecánicos. Esto daría una razón real,” continúa, “para escribir música especialmente para estos instrumentos, como si la música actual para ésta no pareciera tenerlos”.

Varios de los pianistas que usualmente tocan en el Carnegie Hall de Nueva York tienen la oportunidad de probar su instrumento dentro del Steinway Hall (que es el sitio de Steinway para el servicio a pianos de concierto) y luego trasladarse por toda la ciudad confiados para realizar sus presentaciones. Sin embargo, cuando recientemente Maurizio Pollini dió sus dos recitales en aquel auditorio, el piano que usaba fue traído de Italia. ¿Por qué sucede esto?

Los pianistas nóveles no pueden darse el lujo de Pollini. En otro caso se relata que cuando la joven pianista Emi Kagawa comenzó su reciente concierto en la Capilla de San Pablo de New York comentó, respetuosamente pero a la vez enfáticamente, su descontento con el piano con el cual realizó su actuación, ya que se le tornó dificultoso tocar y también se sentía bastante incómoda con el mismo. A pesar de los problemas que ella comentó, ese concierto fue uno de los mejores de la temporada, e hizo dudosa para algunos su declaración que decía que “el piano a veces tocaba lo que ella no quería”. La señorita Kagawa fue ganadora del concurso Bachauer y estudiante de Jerome Lowenthal. Ahora Emi es una profesora de piano particular, pero también da conciertos en América y Japón.

Emi Kagawa comenzó su primer concierto con la sonata para piano de Mozart en Re mayor y se publicó en las noticias que su concierto fue muy interesante y con marcada personalidad. Se presentó tomando la dirección de su interpretación, literalmente, con un gran “spirito”, desarrollando toda su interpretacion con notable claridad y técnica, demostrando su prodigio y su fuerza. Su mayor hallazgo fue el “Andante con espressione”, que fue lenta y dignificada.

Luego de las interpretaciones de Mozart, Kagawa continuó su presentación interpretanto a otros autores. Es muy difícil de imaginarse una pieza más bella que el Preludio opus 32 en Sol mayor numero 5. Se decía que cuando la ensayaba llenaba el cuarto de un sonido magnífico. Luego interpretó un contrastante preludio de Rachmaninoff. Este preludio fue enormemente excitante y también un poco exótico. Por momentos parecía como si se estuviera exhibiendo el amplio espectro interpretativo de Rachmaninoff.

Robert Schumann escribió “La fantasía” en Si mayor en memoria a Beethoven, pero rápidamente cambió de opinión y realizó una carta de amor para su amada Clara en género de sonata a quien finalmente se la dedicó. Clara describió el sentimiento de la pieza como de “sentir frío y calor al mismo tiempo”. Emi Kagawa atravesó esta pasaje, aparentemente, con facilidad aunque hubo momentos que perdía la paciencia por el estado del piano.

Los pianistas de todo el mundo y especialmente los que deben tocar en sitios donde no se le da al piano la importancia que necesita, se encuentran siempre con las dificultades mencionadas. Pianistas de la talla de Polini pueden darse el lujo de traerse el piano de italia pero los pianistas que recién empiezan deben someterse reiteradamente a las peripecias relatadas con respecto a la joven pianista Emi Kagawa.

Un esbozo de solución implica que los responsables de las salas tomen en sus manos la responsabilidad del estado del piano y le brinden al mismo la cantidad y calidad de servicios que necesita.

Un par de siglos atrás llamar a un músico clásico “amateur” era hacerle un cumplido. Hoy en día, un amateur es un músico no profesionalizado que se interesa en el arte musical sin poseer el entendimiento o las habilidades necesarias. Pero esta palabra “amateur” es inglesa y el sinónimo de la misma es en Español es “diletante”, derivando su origen de la lengua italiana. Este término se aplica a aquellas personas que se deleitan por las artes por diversión y sin poseer una vocación específica por la misma. ¿Cuántos músicos “profesionales” se deleitan verdaderamente con la música que ellos producen, y por la cual se les paga?

Los amateurs de la composición musical forman parte de una larga y fabulosa historia. Albert Einstein tocaba el violín. Harry Truman y Richard Nixon tocaban el piano. Thomas Jefferson tocó el violín durante toda su vida.

Albert Einstein tocando el violín
La Secretaria de Estado de los Estados Unidos de América, Condoleezza Rice, es probablemente el músico amateur más prominente del mundo actual. Es una pianista sin nada de habilidad que frecuentemente interpreta música de cámara con amigos que tocan instrumentos de cuerdas y que, al igual que ella, no intentan disimular su posición de amateur.

Mucho antes de que el fonógrafo transformara la sociedad productora de música en una sociedad músico-consumista, la producción musical amateur estaba entretejiendo la vida social y doméstica de nuestras naciones occidentales. Cada salón de las familias de clase media tenía un piano vertical. Los miembros de dichas familias que no tocaban el piano eran preparados para cantar a coro. Si querías un poco de música en tu vida diaria tenías que hacerla tú mismo.

Lamentablemente, esa tradición está en declive durante una época en la cual puedes acceder virtualmente a la historia entera de la música con tan sólo un clic de tu iPod.

Condoleezaa Rice tocando el piano
A pesar de ello, los músicos amateurs viven en las innumerables orquestas y bandas, coros voluntarios y coros eclesiásticos de las comunidades, que salpican el paisaje de casi todos los países de occidente. No es posible que nadie confunda dichos conjuntos con la Sinfónica de Chicago, pero allí se encuentran muy buenos amateurs, y la profunda devoción hacia su música es compartida por sus fieles miembros que brillan entre medio de las notas incorrectas y las desafinaciones.

Ningún músico amateur se interesa apasionadamente por lo que hacen que los músicos de cámara. Incluso los amateurs tienen usualmente sus propias asociaciones. Allí, los miembros hablan sobre la alegría de tocar grandes obras maestras de música de cámara, a veces con completos extraños, aunque el resultado final no sea perfecto. Para ellos “amateur” es una insignia de orgullo y singularidad, no un insulto.

Los músicos que tocan por amor, más que por dinero, pueden incluso enseñar a los hastiados oídos algo vital acerca de lo que significa hacer y experimentar la música. Ellos son una de las razones por las cuales la música clásica permanece dentro del arte viviente de nuestro bien ponderado siglo XXI.

El Príncipe de Gales ha encargado un concierto para piano en memoria de su abuela, la Reina Elizabeth, la Reina Madre. El mismo ha sido Encargado al compositor Nigel Hess, compositor galardonado de las partituras para las películas y series televisivas “Un marido ideal”, “Damas en Lavender”, “Hetty Wainthropp Investiga” y “Ballykissangel”, la obra está dividida en tres movimientos y cada uno refleja los rasgos principales de la personalidad de la Reina Madre.

Sinceramente no sabemos si creer que amaba mucho a su abuela pues creemos que podria haber encargado la obra a un compositor de mayor jerarquía y no a uno que usualmente compone música para series y películas.

Fluxus es un movimiento de artistas ágiles. Su arte se nutre de presentaciones o rituales en las cuales los objetos cotidianos o triviales son transformados en piezas de arte. Cuando se utilizan instrumentos artísticos, como un piano, esto se debe a que es la única posibilidad que pueden ofrecer para dicho ritual. Los pianos que con los cuales intepreta Fluxus son siempre utilizados de un modo muy primitivo y nada virtuoso.

Las presentaciones Fluxus se caracterizan especialmente por una combinación de acciones que ocurren como un ritual simple o en un contexto ritualizado. Usualmente hay una audiencia y luego por lo general no queda mucho del trabajo de las obras de arte.

Las acciones de las cuales estamos hablando son, siempre de manera diferente, violar los valores y estándares cotidianos. Ellos quieren provocar al sistema de un modo juguetón. La alegría es más importante que el impulso explícito de provocar, permitiendo al impulso hacer cambios estructurales en el sistema. Podemos encontrar, sin embargo, un fuerte compromiso social y político en algunos de los artistas pertenecientes a este grupo.

Fluxus no tiene, en realidad, un mensaje fundamental: no está apuntado a la destrucción, no tiene compromisos educacionales y pedantes y no busca crear conciencia política. Mayormente, está apuntado al desorden y el entretenimiento originado a partir del desorden.

El arte es buscado en las cosas usuales, en los lugares comunes. Es este contexto lo que hace que la experiencia de la audiencia le lleve a pensar de modo diferente. El arte puede encontrarse más en el contexto que en la obra de arte que, como tal, existe.

La expresión Fluxus fue inventada por George Maciunas (1931-1978) para enfatizar el carácter siempre cambiante del grupo de artistas. Fue elegido también para servir de unión entre los diferentes tipos de actividades, medios, disciplinas, nacionalidades, sexos, enfoques, y ocupaciones que el grupo rodea.

¿Es posible aún en nuestros tiempos concurrir al estreno de un nuevo instrumento musical? Parece que si ya que uno de los últimos que han sido desarrollado se llama Reactable. Su origen data de finales del año 2005 donde un grupo de tecnología musical de la Universidad Popeu Fabra de la ciudad de Barcelona se propuso idear un instrumento electrónico y digital que pudiera ser tocado por cualquier persona.

El resultado fue una mesa (”table” en Inglés) que produce diferentes efectos sonoros en función de la colocación sobre la misma de unas piezas planas especialmente diseñadas que poseen diferentes formas y funciones. Estas piezas, según su forma específica, actuan de una manera única produciendo o modificando sonidos. Esta mesa “lee” el movimiento sobre la misma y genera multiplicidad de efectos y sonidos. El siguiente video lo muestra en funcionamiento.

La cantante islandesa Bjork, al enterarse de la existencia de este instrumento, quiso tener uno de inmediato y actualmente el mismo la acompaña en la gira mundial de presentación de su último trabajo llamado Volta. Seguidamente una demostración en vivo de su uso generando música electrónica.

La compañía austríaca fabricante de pianos Bosendorfer presentó al mercado el día lunes un nuevo teclado compacto digital, revelando su primer modelo prototipo como un intento de acceder a nuevos mercados. El CEUS master suena como un piano de cola modelo Imperial de Bosendorfer, dijo el manager de la compañía Alfred Zellinger, en Viena.

Esto fue un desarrollo muy significativo de un nuevo modelo de piano-computadora CEUS de Bosendorfer lanzado en el 2005. Pero, lo que hace único al CEUS Master es que usa el mecanismo completo y auténtico de un piano de cola, dijo Zellinger—una ventaja mayor que da un verdadero sentimiento de tocar sobre un piano de cola verdadero.

El fabricante japonés de pianos Yamaha ha estado en las últimas dos décadas destinando gran cantidad de dinero a inversión y desarrollo en el mundo de los instrumentos musicales en general, y de los pianos y pianolas en particular. El fruto de todo ello ha sido variado ya que la calidad de sus pianos acústicos, combinado con su bajo precio, ha aumentado considerablemente su cuota de mercado en todo el mundo haciendo tambalear a los fabricantes de pianos tradicionales como Steinway & Sons quien sacó al mercado en los últimos años los pianos Boston y Essex para competir con Yamaha.

Además de su trabajo de investigación en pianos acústicos, han desarrollado y prefeccionado un híbrido acústico-electrónico llamado Yamaha Disklavier el cual es en si mismo un piano acústico pero con capacidades electrónicas, al igual que las antiguas pianolas, entre las que se incluyen el tocar po si solo, grabar lo que el pianista toca, grabar múltilpes pistas, etc, etc. En el siguiente video se pude apreciar una demostración del mismo. Si bien el mismo se encuentra en Inglés, creemos que es bastante intuitivo su entendimiento por las demostraciones realizadas.